Los diferentes parches para tu batería

Hola de nuevo. Hoy hablaremos de los parches de la batería.

Como sabemos hay una serie de diferentes modelos. Están entre ellos:

Los arenados: Se les dice así porque tienen un material rasposo en su parte superior. Dan un sonido mas agudo y tímbrico, sin necesidad de afinarlos muy alto. Estos suelen ser usado por los bateristas de jazz.

Los hidráulicos: Contienen dos capas y en el medio un pegamento que parece aceite. Tienen un sonido más pesado o grave, que se utiliza mucho en rock.

Los reforzados: Tienen en el centro un circulo de plástico reforzado para los golpes. Son utilizados en el tambor o en los timbales, por tener un sonido medio y porque su fabricación les permite resistir al paso del tiempo.

Los Genera De Evans: Son parecidos a los arenados pero con pequeños agujeros de respiración en los bordes. Tienen un sonido similar a los arenados; la diferencia es que sus agujeros dan menos armónicos y por lo tanto parecen tener una pequeña sordina. Suelen usarse para fusión.

Es muy factible que los bateristas utilicen diferentes combinaciones de parches, para lograr mayor cantidad de timbres o diferentes sonidos en los tones, tambor y bombo. También puedes utilizar sordinas para lograr otros sonidos menos armónicos, si es lo que estas buscando; para ellos puedes incorporar dampers, cinta de papel, goma espuma y/o sabanas u almohadas para el bombo, o cualquier cosa que tenga un poco de absorción para lograr el sonido que buscas.

Espero que te sirva a la hora de tu decisión para lograr tu sonido.

Indaga en tu instrumento, probando todas las opciones, y seguramente tendrás buenos resultados.

Hasta la próxima y no dejes de investigar, Sócrates.

El arte de tapa: Comunicación y diseño

El diseño de tapa de un disco, es un paso indispensable en la producción de un nuevo álbum. Se trate de la placa de un artista reconocido, o del material de un amateur, es fundamental que el diseño del packaging esté alineado con la estética y la idea troncal, tanto del artista como de los temas que lo compondrán.

El arte de tapa es tan importante, que será lo primero que verá el “interesado”; incluso antes de escuchar una sola nota; incluso antes de dar vuelta la caja y ver la lista de temas. En otras palabras, será la primera comunicación que estableceremos con los receptores de nuestro material.

Hablando a nivel industrial, los discos una vez distribuidos, “compiten” por así decirlo, en las bateas de las disquerías; y el arte de tapa genera un mensaje…Mejor lo explicaré con un ejemplo: ¿Quién no fue alguna vez a una disquería con la idea de comprar un disco determinado y terminó comprando otro, o incluso varios compulsivamente? Seguro que sí, al menos en los ’90, la época de oro de los discos compactos.

Pero incluso hoy, cuando copiar un disco y olvidarse de su imagen visual, suele ser lo más común; el arte de tapa hace la diferencia. Los discos copiado y escritos con el marcador, quedan en una misma categoría, y solemos tener tantos que ni recordamos cuales son. En cambio a aquellos que compramos, podemos visualizarlos y diferenciarlos por su imagen (hasta la del lomo, que reconocemos en una pila). Estos siempre tendrán el valor agregado de su imagen.

En el caso del disco de un amateur, sucede exactamente lo mismo, pero en otro ámbito. Si se trata de un disco que no será industrializado, que tendrá una escasa tirada y que será distribuido por el propio músico. El arte de tapa debe cumplir la importante misión de valorizar el material y recategorizarlo. Debe aportarle valor agregado, por medio de una efectiva comunicación visual.
Así lograremos diferenciar este disco de un “simple demo”, y esto es fundamental para que el músico puedan vender o ubicar el material. Y que, incluso una vez ubicado en la pila de discos de casa, sea valorado y atesorado como un disco industrial, y no como una copia más.

El arte de tapa comunica y vende. Y aporta valor agregado al material discográfico; antes, durante y luego de ser adquirido. Siendo el objetivo final, que el interesado llegue al corazón del disco: A escucharlo una y otra, y otra vez.


Saludos! Djasmine Deluca.

La importancia de los palillos y baquetas

En los años como músico ejecutante e probado e indagado diferentes pares de palillos; con distintas puntas y espesores. Si bien la elección de estos, es una búsqueda experimental, que cada instrumentista debe transitar; vamos a hablar de algunos parámetros básicos y de la importancia de una elección adecuada de palillos o baquetas para bateristas y percusionistas.

Recomiendo, como parámetro general, para una mano pesada y grande 5b; una mano media 5ª; y una pequeña 7a. También debemos tener en cuenta que los diferentes estilos de música, acompañan un poco los gustos y diámetros del par. Por ejemplo, para ejecutar Heavy Metal o Rock Pesado nos inclinamos por el par mas grueso y pesado 5b, porque la técnica del estilo exige una ejecución con mucho power. En el caso de Rock Pop o Fusión la inclinación seria por el par medio, 5ª; sabiendo que la técnica es más refinada y con matices. Por ultimo en la técnica de Jazz y Blues nos inclinamos por un palillo ágil y liviano como el 7ª, por tratarse de una técnica con mucho matices y groove.

No nos olvidemos que la elección de los palillos, depende mucho del sonido que deseemos lograr en el instrumento. El diámetro del mismo, es determinante para la resolución del sonido: Los más finos nos ofrecerán sonidos agudos, y desde luego, los más gruesos sonidos más graves.

Otro aspecto importante es el balance y el peso del par. Este detalle, ayuda para lograr una mejor ejecución, mayor calidad y juste de los golpes; siempre y cuando te intereses en mejorar tu técnica.

Existen en el mercado infinidad de mascas de variadas calidades. Y estas nos ofrecen la posibilidad de experimentar y buscar el par adecuado para cada instrumentista. Indaga un poco y veras como las diferentes puntas y diámetros de los palillos dan distintos resultados en tu sonido final.



Bueno nos vemos, y no dejen de disfrutar al practicar o ejecutar un instrumento! Sócrates.

Ejercicios para un instrumentista completo

Cuando empezamos a aprender un instrumento, tocar es tan increíble que nos conformamos con hacer sonar un acorde. Lógicamente, nos fascinamos con el sonido y con poder lograr esos primeros pasos! Pero día a día, uno puede notar avances; y así es que cada vez queremos más.

Muchas veces sucede, que nos estancamos tocando únicamente “bases”, o bien “soleando” todo el tiempo sin poder completar una pieza musical. Ninguna de estas variantes tiene que tomarse como la ideal. Un instrumentista debe desarrollarse en ambas áreas, logrando un dominio amplio y completo del instrumento. Para ello, es importante ser constante en las prácticas, y como mencionaba, practicar tanto “bases” como “solos”; estudiar armonía, para poder ampliar los conocimientos en cuanto a acordes; y por supuesto estudiar escalas. Auque al principio parezca muy complicado, la constancia, la dedicación y la paciencia, son aliadas para lograr buenos resultados.

La idea es entonces, trabajar en el instrumento lentamente, pero sin pausa. Nadie toca una pieza completa de un día para otro.

“Solear” suele ser el desafío más tentador. Existen diferentes tipos de ejercicios, que permiten una mejor digitación en cada uno de los instrumentos.

En la guitarra, se trabaja mucho dentro de las escalas; digitando, por ejemplo: Tónica, segunda, tercera; tomando esto como parámetro para las diferentes notas de la escala. Es importante, así mismo, tener en cuenta la mano derecha, la púa cumple un rol muy importante para que la digitación sea efectiva; la práctica para esta sería mover la púa hacia arriba y hacia abajo, y no únicamente en una dirección.

En el bajo sucede exactamente lo mismo que en la guitarra. La diferencia es que en la mano derecha, son los dedos los que debemos mover correctamente; la práctica sería utilizar todos los dedos de la mano y no uno solo.

Por último, para el teclado, debemos practicar las escalas digitando dedo por dedo, sin saltear ninguno; y usar este método en ambas manos.

Estos ejercicios tan simples, te permitirán agilizar tus manos para, con el tiempo digitar profesionalmente. Y una vez incorporados, los realizarás durante todo tu desarrollo musical. Son la base de un completo instrumentista.

Un abrazo! Germán Faviere.

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