El mantenimiento de las cuerdas – Nota para cuidar tu instrumento

Muy a menudo nos consultan sobre como cuidar las cuerdas de la guitarra y el bajo de factores como la oxidación. Esta genera el desgaste prematuro de las cuerdas, su pérdida de brillo, flexibilidad y posteriormente su rotura.

Sabemos que en muchos casos la oxidación es producida por la transpiración de las manos al tocar o por dejar el instrumento en un ambiente húmedo.

Existen dos formas sencillas de prevenir y mantener las cuerdas libres de óxido:

Un viejo amigo luthier, una vez, me enseñó algunos secretos que voy a compartir con ustedes ahora. Él me aconsejó limpiar periódicamente las cuerdas con lustramuebles (Blem). ¡Sí! ¡Aunque no lo crean! Lo ideal es frotar cada cuerda con una franela en toda su extensión, esto genera una película protectora. Es cierto que grandes empresas de instrumentos han desarrollado productos especiales, que no son más que un aceite muy liviano con el cual se obtiene el mismo resultado.

La otra posibilidad es dejar las cuerdas en agua hirviente por unos minutos. Este proceso remueve todo tipo de suciedad, pero es fundamental ser muy cuidadosos al secarlas ya que dejarlas mojadas seria fatal. Es ideal para el encordado de bajo por su grosor, y no tan aconsejable para el de guitarra ya que las cuerdas son mucho más finas y tienden a cortarse con más facilidad a la altura de la clavija, donde se marcan.

Espero los ayude a solucionar los inconvenientes que trae la oxidación de las cuerdas de instrumentos eléctricos. Y que contribuya a hacerlas más duraderas.

Un abrazo, Germán Faviere.

Mezclas

Hola otra vez. Hoy hablaremos sobre mezclas.

Para poder obtener una buena mezcla primero hay que tener en cuenta algunos pasos previos:

El primero y principal es la toma de los distintos instrumentos a grabar, ya que cuanto mejor sea la toma, mejores serán los resultados que conseguiremos en nuestra mezcla.

Comprimir algunas señales, como el bajo y el bombo de la batería, también nos ayudará. Generará una señal mas pareja y por ende un mejor resultado para trabajar en las mismas.

También hay algunos trucos con los que se pueden mejorar los picos de la tomas. Compensando con el volumen o simplemente, si el mismo segmento fue ejecutado en otra parte del tema, usando el mejor; esto si se trabaja digitalmente.

Sin embargo este último no es el mejor recurso, ya que se pierde la dinámica natural del instrumento ejecutado, y no es lo que queremos lograr.

Una vez internado ya en la mezcla comenzaremos con los pasos principales:

Buscaremos los instrumentos bases y trabajaremos sobre ellos primero.

Si hay Batería tendremos que logra con el paneo conseguir esa sensación natural que tiene el mismo, no podemos dejar todo el instrumento en el centro del paneo, habrá que usa la lógica y comenzar a panear con criterio el instrumento. Ej: tambor y bombo al centro, hi hat y ton agudo izquierda, ton grabe y ton de pie derecha, ect, cada uno con sus respectivos porcentajes de paneo.

El bajo, otro instrumento importante en la base, también lo colocaremos en el centro del paneo tratando de conseguir un sonido grabe y a la vez muy balanceado en sus medios y agudos para que se defina su ejecución con los demás instrumentos.

Luego, los restantes instrumentos, con los que iremos jugando y paneando para poder conseguir un buen balance en el total del tema

Lo que sea base lo compensaremos entre derecha e izquierda, y los arreglos irán creando el clima en el tema.

Es muy importante en las mezclas usar los oídos y no lo que vemos en pantalla o consola de mezcla, ya que los de más no saben ni ven donde lo hicimos. De esta forma conseguiremos el mejor resultado posible en el sonido y aprenderemos a educar nuestros oídos para realizar cada día mejores mezclas.

Bueno, suerte y más adelante le seguiré contando sobre este tema que es muy extenso e interesante. No dejes de escuchar música y las grandes producciones donde puedes encontrar algunos trucos y definiciones en los sonidos que te harán de parámetro para las propias. No se trata de copiar sino de investigar y escuchar.

Nos vemos.

El cuento que ejemplifíca nuestra filosofía

"Aprendemos haciendo"

No hace muchos años empecé a tocar el violoncelo. La mayoría de la gente diría que lo que estoy haciendo es "aprender a tocar" el violoncelo. Pero estas palabras traen a nuestras mentes la extraña idea de que existen dos procesos distintos: (1) Aprender a tocar el violoncelo; y (2) tocar el violoncelo. Se supone que haré lo primero hasta completarlo y en ese punto dejaré el primer proceso para empezar el segundo. En suma, seguiré "aprendiendo a tocar" hasta que haya "aprendido a tocar" y después empezaré a tocar.

Por supuesto esto es absurdo. No hay dos procesos sino uno. Aprendemos a hacer algo haciéndolo.

No hay otra manera.

Cuento de John Holt

¿Cuál es la función del productor artístico?

En primer lugar el productor artístico es el encargado de delinear junto al artista el perfil estético y musical de su trabajo. El músico debe tener plena confianza en que su productor entenderá y materializará correctamente sus inquietudes, y a la vez aportará todo su caudal creativo a favor del resultado final que es EDITAR EL MEJOR DISCO HASTA ESE MOMENTO. Para lograr este fin el productor artístico revisará la historia del artista, entenderá su desarrollo, ahondará en su estilo, se mimetizará con este para convertirse casi en él, de esta forma podrá comprender lo que el artista desea.

En otra etapa será el nexo entre el artista y el equipo de trabajo. Se encargará de conseguir a los mejores músicos a su disposición para realizar los arreglos y grabaciones. Y trabajará sobre el concepto y los sonidos de cada tema a grabar; elegirá el estudio, hablará con los técnicos, se encargará de que toda la infraestructura necesaria para la grabación del material.

Luego el productor participará de la revisión de todas las tomas, de la mezcla, de la masterización y de cada proceso junto al artista incluso de los trabajos gráficos que incumben al arte de tapa etc. Hasta la edición definitiva del CD.

Todos los artistas deben entender la importancia y la necesidad de trabajar con SU PRODUCTOR ARTÍSTICO. Con el cual se irá generando la confianza necesaria a través de cada trabajo para profundizar más el vínculo y el entendimiento. Solo así se logra la calidad profesional del material a grabar.

Y ningún trabajo es posible sin el correcto funcionamiento de nuestro equipo de trabajo, cada una de las personas que lo conforman son imprescindibles para que el ÉXITO corone nuestra labor.

Aprendiendo a cantar

A menudo nos encontramos con gente a la cual que gusta cantar, o bien con personas que cantan, pero que nunca desarrollaron una técnica o aprendieron a hacerlo.

Como en cualquier otra disciplina en la cual utilizamos nuestro cuerpo, el canto necesita y requiere entrenamiento y por supuesto una técnica. Piensen sino en un jugador de rugby que no entrenara nunca, o que jamás hubiera tomado una clase para saber la técnica del juego…

Con el desarrollo vocal sucede exactamente lo mismo. Si bien muchas personas pueden tener un don o la facilidad de cantar, necesitamos aprender a utilizar nuestro cuerpo para aprovechar al máximo nuestra capacidad, y también del entrenamiento para mantener ejercitados todos esos conocimientos.

El primer paso es reconocer y adoptar la respiración costo-diafragmática, que no es la que normalmente usamos para hablar. El segundo paso es detectar que cada sonido que emitimos se ubica en un determinado lugar, aprovechando el aire al máximo; se trata de lo que normalmente llamamos colocación del sonido, en la cual debemos usar los resonadores de nuestro cuerpo que son los huesos. Luego podemos hablar de la postura y de expresión que utilizaremos a la hora de interpretar. La postura de todo nuestro cuerpo influirá en nuestra actitud, en nuestra intención, y desde luego en el sonido y nuestro caudal de voz. En este sentido la postura de la boca cobra gran importancia, para lo cual es fundamental ejercitar la pronunciación de cada vocal con su forma y así también las consonantes.

Como pueden ver hay muchas cosas a tener en cuenta a la hora de cantar, y lo fundamental es comenzar por registrar y tener conciencia de nuestro cuerpo. Para ello, solo necesitamos ser constantes en nuestras prácticas.

Hasta la próxima! Germán Faviere

Los diferentes parches para tu batería

Hola de nuevo. Hoy hablaremos de los parches de la batería.

Como sabemos hay una serie de diferentes modelos. Están entre ellos:

Los arenados: Se les dice así porque tienen un material rasposo en su parte superior. Dan un sonido mas agudo y tímbrico, sin necesidad de afinarlos muy alto. Estos suelen ser usado por los bateristas de jazz.

Los hidráulicos: Contienen dos capas y en el medio un pegamento que parece aceite. Tienen un sonido más pesado o grave, que se utiliza mucho en rock.

Los reforzados: Tienen en el centro un circulo de plástico reforzado para los golpes. Son utilizados en el tambor o en los timbales, por tener un sonido medio y porque su fabricación les permite resistir al paso del tiempo.

Los Genera De Evans: Son parecidos a los arenados pero con pequeños agujeros de respiración en los bordes. Tienen un sonido similar a los arenados; la diferencia es que sus agujeros dan menos armónicos y por lo tanto parecen tener una pequeña sordina. Suelen usarse para fusión.

Es muy factible que los bateristas utilicen diferentes combinaciones de parches, para lograr mayor cantidad de timbres o diferentes sonidos en los tones, tambor y bombo. También puedes utilizar sordinas para lograr otros sonidos menos armónicos, si es lo que estas buscando; para ellos puedes incorporar dampers, cinta de papel, goma espuma y/o sabanas u almohadas para el bombo, o cualquier cosa que tenga un poco de absorción para lograr el sonido que buscas.

Espero que te sirva a la hora de tu decisión para lograr tu sonido.

Indaga en tu instrumento, probando todas las opciones, y seguramente tendrás buenos resultados.

Hasta la próxima y no dejes de investigar, Sócrates.

El arte de tapa: Comunicación y diseño

El diseño de tapa de un disco, es un paso indispensable en la producción de un nuevo álbum. Se trate de la placa de un artista reconocido, o del material de un amateur, es fundamental que el diseño del packaging esté alineado con la estética y la idea troncal, tanto del artista como de los temas que lo compondrán.

El arte de tapa es tan importante, que será lo primero que verá el “interesado”; incluso antes de escuchar una sola nota; incluso antes de dar vuelta la caja y ver la lista de temas. En otras palabras, será la primera comunicación que estableceremos con los receptores de nuestro material.

Hablando a nivel industrial, los discos una vez distribuidos, “compiten” por así decirlo, en las bateas de las disquerías; y el arte de tapa genera un mensaje…Mejor lo explicaré con un ejemplo: ¿Quién no fue alguna vez a una disquería con la idea de comprar un disco determinado y terminó comprando otro, o incluso varios compulsivamente? Seguro que sí, al menos en los ’90, la época de oro de los discos compactos.

Pero incluso hoy, cuando copiar un disco y olvidarse de su imagen visual, suele ser lo más común; el arte de tapa hace la diferencia. Los discos copiado y escritos con el marcador, quedan en una misma categoría, y solemos tener tantos que ni recordamos cuales son. En cambio a aquellos que compramos, podemos visualizarlos y diferenciarlos por su imagen (hasta la del lomo, que reconocemos en una pila). Estos siempre tendrán el valor agregado de su imagen.

En el caso del disco de un amateur, sucede exactamente lo mismo, pero en otro ámbito. Si se trata de un disco que no será industrializado, que tendrá una escasa tirada y que será distribuido por el propio músico. El arte de tapa debe cumplir la importante misión de valorizar el material y recategorizarlo. Debe aportarle valor agregado, por medio de una efectiva comunicación visual.
Así lograremos diferenciar este disco de un “simple demo”, y esto es fundamental para que el músico puedan vender o ubicar el material. Y que, incluso una vez ubicado en la pila de discos de casa, sea valorado y atesorado como un disco industrial, y no como una copia más.

El arte de tapa comunica y vende. Y aporta valor agregado al material discográfico; antes, durante y luego de ser adquirido. Siendo el objetivo final, que el interesado llegue al corazón del disco: A escucharlo una y otra, y otra vez.


Saludos! Djasmine Deluca.